Kehinde Wiley beroemde citaten

Wat ik leuk vind aan kunst is dat het bekende combinaties neemt en ze herordent op een manier die licht werpt op iets dat ze nog nooit eerder hebben gezien of de wereld op een iets andere manier laat zien.

Ik denk dat er iets belangrijks is om tegen de stroom in te gaan, en misschien waarde te vinden in dingen die niet noodzakelijkerwijs Institutioneel worden erkend.

Kunstenaars geven vragen, Geen antwoorden. We bieden provocaties in plaats van volledig gevormde objecten.

Er zit een politieke en raciale context achter alles wat ik doe. Niet altijd omdat ik het zo ontwerp, of omdat ik het zo wil, maar eerder omdat het gewoon de manier is waarop mensen naar het werk van een Afro-Amerikaanse kunstenaar in dit land kijken.

In mijn werk wil ik begrip creëren, niet over hoe een schilderij eruit ziet, maar over wat een schilderij zegt.

Alle Kunst is zelfportretten.

De achtergronden door ontwerp zijn een zeer belangrijk onderdeel van het gesprek, omdat Ik wil dat er een soort gevecht of druk bestaat tussen de figuur en de achtergrond.

Ik geloof dat de kunstenaar in staat is bij te dragen aan de bredere evolutie van cultuur in al zijn dimensies.

Van vrouwen wordt verwacht dat ze gender als uitgangspunt nemen. Van etnische groepen wordt verwacht dat ze dat als locatie identificeren. Is het ooit mogelijk voor de kunstenaar om zich een staat van absolute vrijheid voor te stellen? Dat was mijn oproep tot de wapens.

Kunstenaars moeten deel uitmaken van de cultuur. Ik denk dat mijn werk dat duidelijk bevestigt.

Wanneer je op je best bent, analyseer je jezelf en word je steeds meer geïsoleerd van een breder verhaal.

Ik creëer iets dat iets voor mij betekent, voor de wereld, en probeer mijn best te doen. Ik kan niet alles repareren.

Dit is iets waar we als kunstenaars voortdurend mee te maken hebben-het verleden weggooien, de vader doden en het nieuwe creëren. Deze wens om de oude regels weg te gooien.

Als ik hetzelfde plan heb om de straat op te gaan, willekeurige vreemden te vinden, kunsthistorische referenties te gebruiken van hun-van de specifieke locatie, om decoratieve patronen te gebruiken van deze locatie, dat is een regel. Dat is een reeks patronen die je kunt toepassen op alle samenlevingen. Maar wat uit elk experiment voortkomt of voortkomt, is zo radicaal anders.

Schilderen is situationeel. En mijn specifieke situatie bestaat binnen geslacht, ras, klasse, seksualiteit, natie.

We zijn bedraad om empathisch te zijn en om te geven om de behoeften van anderen, maar ook om nieuwsgierig te zijn naar anderen. En ik denk dat dat gewoon in ons DNA zit. Portretten zijn dus een heel menselijke daad.

Ik denk dat ik me steeds meer bewust ben van het feit dat om te werken aan een uitspraak die radicaal globaal of universeel is, je moet beginnen op een plek die radicaal intiem en specifiek is.

Dat is deels het succes van mijn werk-het vermogen om een jong zwart meisje het Brooklyn Museum binnen te laten lopen en schilderijen te zien die ze niet herkent vanwege hun kunst-of historische invloed, maar vanwege hun verbuiging, in termen van kleuren, hun specificiteit en aanwezigheid.

We hebben veel ontvangen historische manieren om portretten te bekijken. En ik denk dat ik dat op de een of andere manier in twijfel trek door te spelen met de regels van het spel.

Ik denk dat kunst in het oog van de toeschouwer ligt.

In tegenstelling tot de achtergrond in veel van de schilderijen waar ik me door liet inspireren of schilderijen waar ik poses van Leende - De grote Europese schilderijen uit het verleden - speelt de achtergrond in mijn werk geen passieve rol.

Veel van mijn werk wordt bepaald door het verschil tussen de figuur op de voorgrond en de achtergrond. Heel vroeg in mijn carrière vroeg ik me af: "Wat is dat verschil?"Ik begon te kijken naar de manier waarop een figuur op de voorgrond werkt in achttiende - en negentiende-eeuwse Europese schilderijen en zag hoeveel te maken heeft met wat de figuur bezit of bezit. Ik wilde breken met die betekenis waarin er het huis, de vrouw en het vee zijn, allemaal in gelijke mate afgebeeld achter de oppas.

Ik voel me soms beperkt door de verwachting dat het werk uitsluitend politiek moet zijn. Ik probeer een soort werk te creëren dat ten dienste staat van mijn eigen reeks criteria, die te maken hebben met schoonheid en een soort utopie die in zekere zin spreekt tot de cultuur waarin ik me bevind.

Status en klasse en sociale angst en misschien sociale code worden allemaal vrijgegeven als je kijkt naar schilderijen van machtige individuen uit het verleden.

Er is duidelijk de wens om de regelsets te openen die opname of disclusie mogelijk maken. Ik denk dat mijn hoop zou zijn dat mijn werk een bepaald soort precedent zou scheppen, waardoor grote instellingen, musea en kijkers de mogelijkheden van de schildercultuur een beetje inclusiever konden zien.

Ik denk dat dat een soort indicatie is van een soort zelfvertrouwen dat mensen ontwikkelen wanneer ze hun eigen vermogen om te creëren herkennen.

Het werd een kwestie van smaak. Ik heb een bepaalde smaak in kunstgeschiedenis. En dat - ik had een enorme bibliotheek met kunsthistorische boeken in mijn atelier. Ik liet de modellen gewoon die boeken met me doornemen en we begonnen een gesprek over wat schilderen betekent, waarom we het doen, waarom mensen er om geven waarom of hoe het vandaag de dag kan betekenen of zinvol kan zijn.

De kunstwereld is zo insulair geworden. De regels zijn zo autodidactisch geworden dat ze in zekere zin uit het oog verliezen waar mensen interesse in hebben om over na te denken, over te praten of zelfs naar te kijken.

Wat daaruit voortkwam was een intense obsessie met statusangst. Veel van deze portretten gaan over het vormen van jezelf naar het beeld van perfectie dat de dag regeerde in de 18e en 19e eeuw. Het is een verouderde taal, maar ik denk dat we die taal hebben geërfd en hebben doorgestuurd naar de meest nuttige punten in de 21e eeuw.

Bijna alsof het schilderij zelf de belichaming wordt van een soort strijd om zichtbaarheid, en dit kan worden beschouwd als het hoofdonderwerp van het schilderij.

Ik wil graag die fijne lijn lopen tussen het authentieke kunstenaarszelf en het gefabriceerde kunstenaarszelf. Ik zou graag buiten een reeks verwachtingen of veronderstellingen willen bestaan over wat het merk Kehinde Wiley is. En Ik wil naar iets lopen dat een beetje onvoorspelbaarder is, menselijk.

Hoe functioneert de kunstenaar als dichter-Slash-witness-slash-trickster?

Het mooie is dat schilderen niet beweegt. En dus in de 21e eeuw, wanneer we gewend zijn om te klikken en te browsen en constante keuze te hebben, zit schilderen daar gewoon stil en smeekt je om het kleinste detail op te merken.

Integendeel, mijn wens is dat de kijker de achtergrond naar voren ziet komen in het onderste deel van het doek, Vecht voor ruimte, eist aanwezigheid.

Ik ben toevallig een tweeling. Ik ben de helft van mijn leven opgegroeid met iemand die eruitziet en klinkt als ik. En ik geloof dat het mogelijk is om dubbele verlangens in je hoofd te houden, zoals het verlangen om schilderen te creëren en schilderen tegelijk te vernietigen. Het verlangen om naar een zwarte Amerikaanse cultuur te kijken als onderbediend, die vertegenwoordiging nodig heeft, een verlangen om die cultuur te ontginnen en haar delen bloot te leggen en er bijna klinisch naar te kijken.

Er waren bepaalde verwachtingen die van mij werden aangenomen als een jonge zwarte Amerikaanse kunstenaar uit de 20e eeuw en vervolgens uit de 20e eeuw.

Ik begon te werken in de straten van Harlem, waar ik, na mijn afstuderen aan Yale [University, New Haven, CT], de artist in residence werd in het Studio Museum in Harlem [New York, NY]. Ik wilde weten waar dat over ging. Ik trok mensen van de straat en vroeg ze naar mijn studio te komen.

Ik probeer een plek van desoriëntatie te creëren.

Ik heb een sterk vermoeden van de romantische aard van portretten, het idee dat je een essentiële waarheid vertelt over het innerlijke leven van je onderwerp.

Didactische kunst is saai. Ik bedoel, ik hou ervan in termen van, zoals, sommige van de historische precedenten waar ik van heb geleerd. Dat had je nodig. We hadden die bouwstenen nodig in termen van-weet je, als Ik kijk naar een geweldige Barbara Kruger, bijvoorbeeld, en je denkt aan, weet je, de positie van de vrouw in de samenleving - Weet je, ze vond een manier om het mooi te maken, maar tegelijkertijd is het erg preekbaar, begrijp je wat ik bedoel?

Ik denk dat je op zijn best elke arena moet respecteren voor wat ze goed kunnen doen.

Ik heb momenten gehad dat ik mensen ontmoette die compleet waren, zoals idioten, die de visuele cultuur niet konden begrijpen om hun leven te redden.

Ik had geen idee waar ik heen ging. Ik had geen gevoel voor kunst als iets anders dan een probleem dat opgelost moest worden, je weet wel, een jeuk om gekrast te worden. Ik was in die studio om mijn best te doen om tevreden te zijn met mezelf. Ik had een stipendie. Ik had een slaapplaats. Ik had een studio om in te werken. Ik had niets anders om over na te denken. En dat was een enorme luxe in New York City.

De hele wereld is een podium. P. T. Barnum: het wordt een circus. Maar circussen of straatwedstrijden of parades zijn altijd nuttig geweest in een samenleving.Ze zijn altijd nuttig geweest als een manier om macht te bekritiseren. Het carnavaleske is altijd nuttig geweest als een manier om de machtigen te bespotten in een openbare ruimte.

Dat is het probleem met, denk ik, mijn ... het hedendaagse lezen van mijn werk. Zoveel mensen zeggen gewoon: "dit zijn mooie foto' s van zwarte jongens."Ze denken niet echt na over, zoals, wat het hele ding is.

Ik denk iets dat je misschien kunt vinden in het werk dat ik vandaag maak: het vermogen om naar een zwart Amerika te kijken als iets dat niet alleen op een zeer cynische, koude manier kan worden ontgonnen, maar ook op een zeer persoonlijke, liefdegedreven manier kan worden omarmd; maar ook een beetje bekritiseerd.

In Amerika is er dit soort verwachting van gewoon-toevoegen-water beroemdheid, dit soort, " natuurlijk heb je me gevonden, we zullen allemaal beroemd zijn voor 15 minuten," een soort Paris-Hilton-isering van de samenleving.

Portretten zijn iets waar we ons allemaal toe aangetrokken voelen. Ik denk in de eerste plaats aan andere vormen - we geven er de voorkeur aan om over het algemeen naar mensen te kijken dan naar een schaal met fruit.

Wat we nu hebben is een communicatieve vaardigheid. We hebben het vermogen om werkende ideeën te zien die gaande zijn in de grote steden over de hele wereld en of je nu in Shanghai woont of in Sao Paulo, je hebt het vermogen om de ideeën van enkele van de grootste geesten van onze generatie te zien en te kennen.

Ik was 12 in 1989 tijdens de perestroika, toen mijn moeder een programma vond dat me naar Rusland stuurde om kunst te studeren in de bossen buiten Leningrad.